Discurso de la Dra. Barbara Rollmann-Borretty con motivo de la exposición: PETER VALENTINER en la Deutsche Privaten Finanzakademie AG
(29 de septiembre - 4 de noviembre)
Por muy manida que suene esta frase, sigue siendo igual de válida hoy en día. ¿Cuántas veces ha muerto la pintura en el último siglo y medio? La última vez, murió sin hacer ruido después de que los "Nuevos Salvajes" convirtieran el salvajismo en amaneramiento.
El arte contemporáneo se acerca cada vez más a las fronteras de la realidad. Aunque estas acciones conceptuales, instalaciones espaciales y trabajos con los (llamados) nuevos medios del vídeo y el ordenador determinan en gran medida la imagen del panorama artístico progresista actual, no hay que olvidar que la mayor parte del mercado del arte, es decir, de las compras y ventas, está ocupada por obras pictóricas bidimensionales, ya sean pinturas, grabados o incluso fotografías.
Nuestros "héroes nacionales" del arte -si no tenemos en cuenta al difunto Joseph Beuys- Gerhard Richter, Sigmar Polke, también Georg Baselitz y Anselm Kiefer, son pintores.
Sin embargo, hoy en día, sobre todo en la era de las imágenes digitales y del rápido consumo de arte, una joven generación -representada, por ejemplo, por la Galería Westernhagen de Colonia- también se propone examinar muy de cerca la esencia de los principales componentes de la pintura, el color, la forma y la superficie.
Pero incluso la generación que practicó el arte de acción progresista durante el auge de los años sesenta y setenta trabaja hoy en día no pocas veces con papel y lienzo, lo cual no debe entenderse ciertamente como un signo de edad, sino más bien como una continuación del pensamiento con un medio artístico diferente.
También se puede contar entre ellos a Peter Valentiner, aunque su arte de acción siempre ha sido un campo experimental para los problemas de la pintura.
Peter Valentiner nació en Copenhague y se trasladó a Francia en 1949. Vive y trabaja en París desde 1971.
A finales de los años sesenta, las influencias del Pop Art, el Op Art y una intelectualidad socialmente crítica eran virulentas en la escena artística europea. Peter Valentiner también desarrolló su repertorio artístico en este entorno.
El artista estaba fascinado por los fenómenos ópticos; le interesaba una nueva forma de ver las cosas, como se estaba ensayando en la pintura no objetiva y pura. Su proximidad motívica con el Op Art, también con artistas como Vasarely, ha sido confirmada en la retrospectiva histórica del arte.
Le preocupaban la ilusión óptica y el camuflaje del mundo visible. ¿Qué puede haber más obvio que trabajar con redes de camuflaje militar? El "invento" de Valentine consistió en utilizar estas telas y redes de camuflaje en todo tipo de situaciones del entorno cotidiano: como cortinas en espacios privados y públicos, por ejemplo. Por supuesto, además del intento estético, también expresaba una actitud político-crítica.
Pero aquí se trata de pintura. El efecto parpadeante de mirar a través de esa red le inspiró sus "experimentos" pictóricos, que continúan hasta hoy.
Las primeras pinturas de 1975 muestran claramente el efecto de enigma que una red de malla gruesa produce en una superficie. Utilizando una técnica especial de enmascaramiento, el artista pinta en dos capas que, sin embargo, no revelan exactamente sus papeles como primer plano y fondo, como arriba y abajo.
Junto a este enfoque no obstante conceptual de la pintura, también se siente atraído por la tradición pictórica francesa, dedicada al colorismo.
Valentiner es un excelente y apasionado colorista muy meticuloso con su trabajo. Nunca se preocupa por la combinación "de buen gusto" de colores que pueda suscitar buena voluntad; practica un programa cromático relativamente estricto construido a partir de contrastes.
Al ver por primera vez estas imágenes, uno podría tener la impresión de que fueron creadas a partir de una intuición lujuriosa. Pero Peter Valentiner siempre trabaja con un cierto sistema: esto se aplica especialmente a la composición de sus cuadros. Típico de un descendiente de los años sesenta, trabaja de forma racional; así lo demuestra, por un lado, su trabajo con plantillas y, por otro, el principio de las series que caracteriza su obra.
Toda esta actitud se vuelve contra el arte informal de la posguerra, que, en definitiva, veía al artista como el creador intuitivo de obras maestras singulares.
La superación de tales nociones jerárquicas se expresa también en el contenido pictórico de Valentine: aunque elementos compositivos como la diagonal y el centro son siempre visibles, la confusión de las cinturas individuales entre sí es el elemento estilístico premonitorio. Al desplazar los círculos de color y las líneas en todas las direcciones posibles, se provoca incertidumbre en el espectador. Pintar en varias capas crea de nuevo un efecto espacial.
Casi pensamos en los espacios virtuales, tal y como los simulan los ordenadores hoy en día, y que también fascinan mucho al artista. Podemos encontrar la profundidad infinita de estos espacios y el movimiento caótico en ellos en algunas de las pinturas aquí.
A partir de mediados de los ochenta, la pintura de Valentine se vuelve más rigurosa. Elaboró un sistema de formas y contraformas que surgía de la división compositiva de las superficies.
El trabajo en cinta que resulta de las formas sin rellenar no se queda en una simple línea, sino que a través de su colorido crea la ilusión de ser un hueco en el espacio.
Estos motivos, que parecen flotar con sus homólogos en el espacio o, en cuadros posteriores, de nuevo en la superficie, obedecen al principio del acertijo. Las formas rellenas y sin rellenar fuerzan una yuxtaposición de ida y vuelta que se pliega constantemente. Sus funciones son aún más desconcertantes cuando la luz y la oscuridad, pintadas como en un cuadro en perspectiva, aparecen aquí y allá.
Mientras existan estas posibilidades, y mientras artistas como Peter Valentiner no dejen de experimentar con la óptica en el lienzo, la pintura no está muerta.
Vielen Dank.
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